durée : 13:00 mn

1924

Ballet mécanique est un film expérimental dadaïste post-cubiste français de Dudley Murphy et Fernand Léger, réalisé en 1924, d’après le ballet éponyme du compositeur américain George Antheil.

Le film, premier film sans réel scénario, est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du cinéma expérimental.

Le film a un titre alternatif inscrit sur un carton au début du film, Charlot présente le ballet mécanique. Charlot est le patronyme d’André Charlot, producteur de film, et également le surnom de Charlie Chaplin. Le film débute en effet par une animation abstraite d’un personnage qui peut faire penser à cet artiste par le chapeau melon et la canne emblématiques de son personnage de Charlot.

Le film devait utiliser la partition de George Antheil. Cependant, il n’y eut quasiment pas de coordination entre les différents créateurs de l’œuvre et, finalement, à la suite de nombreux désaccords, la partition ne correspondit pas au film. De plus, la partition originale d’Antheil couvrait trente minutes alors que le film totalise une durée de seulement seize minutes. Le film est finalement sorti sans musique originale.

Le 25 août 2000, une copie du film réalisée par Paul Lehrman a été présentée au public accompagnée de sa bande son au Cultuurmarkt van Vlaanderen à Anvers, en Belgique.

Actuellement, le film et le ballet sont considérés comme étant deux œuvres distinctes.

Le film est un kaléidoscope d’images présentées sur une bande son énergique. Une jeune femme dans un jardin se balance sur une balançoire, une autre sourit. Des cylindres, des pistons, des engrenages et des turbines tournent ou sont en perpétuel mouvement. Des ustensiles de cuisine — casseroles, couvercles de casseroles et entonnoirs — sont disposés en cercles concentriques ou en ligne, au-dessus desquels des voitures passent. Maintes et maintes fois, une femme corpulente portant un gros sac sur son épaule monte les escaliers. Un personnage de dessin animé Art déco apparaît, dansant. C’est un monde tout en mouvement, dominé par des images mécaniques et répétitives, avec seulement quelques moments de solitude dans un jardin. Source texte

• Titre : Ballet mécanique
• Titre alternatif : Charlot présente le ballet mécanique
• Réalisation : Fernand Léger, Dudley Murphy
• Scénario : Fernand Léger
• Musique originale (1926) : George Antheil
• Musique (1986) : Michael Nyman
• Images : Dudley Murphy, Man Ray
• Pays de production : France
• Année de sortie : 1924
• Durée : 16 minutes (version de Kiesler) / 19 minutes (version de Léger)
• Format : Noir et blanc, muet

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durée : 102:32 mn

1976-1980

Cliquer sur l’image pour voir la vidéo (Ubuweb)

Marina Abramoviç (b. 1946) and Ulay (1943-2020)

Relation in Space, 1976, 14:35, b&w, sound
Talking about Similarity, 1976, 10:07 min. b&w, sound
Breathing in, Breathing out, 1977, 11:30 min, b&w, sound
Imponderabilia, 1977, 9:53 min, b&w, sound
Expansion in Space, 1977, 14:18 min, b&w, sound
Relation in Movement, 1977, 13:18 min, b&w, sound
Relation in Time, 1977, 12 min, b&w, sound
Light/Dark, 1977, 6:38 min, b&w, sound
Balance Proof, 1977, 8:43 min, b&w, sound

The Relation Work project, documented in Program III, is a series of highly charged conceptual performances in which the artists used their bodies to explore and transcend physical, mental and psychological limitations through endurance and risk. The artists test the relation of male and female energies in time and space, pushing the limits of body and self: They breathe each other’s breath; slap each other across the face; repeatedly smack their nude bodies headlong into pillars.

In 1976 the artists defined their Relation Work project as follows: « Art Vital: No fixed living place, permanent movement, direct contact, local relation, self-selection, passing limitations, taking risks, mobile energy. » — EAI( Electronic Arts Intermix )

This title is available for exhibitions, screenings, and institutional use through Electronic Arts Intermix (EAI), NY. Please visit the EAI Online Catalogue for further information about this artist and work. The EAI site offers extensive resources for curators, students, artists and educators, including: an in-depth guide to exhibiting, collecting, and preserving media art; A Kinetic History: The EAI Archives Online, a collection of essays, primary documents, and media charting EAI’s 40-year history and the early years of the emergent video art scene; and expanded contextual and educational materials. Source vidéo et textes

Le projet Relation Work, documenté dans le programme III, est une série de performances conceptuelles très chargées dans lesquelles les artistes ont utilisé leur corps pour explorer et transcender les limitations physiques, mentales et psychologiques par l’endurance et le risque. Les artistes testent la relation des énergies masculine et féminine dans le temps et l’espace, repoussant les limites du corps et de soi: ils respirent le souffle de l’autre; se gifler sur le visage; claquent à plusieurs reprises leurs corps nus tête baissée contre des piliers.

En 1976, les artistes définissent leur projet Relation Work comme suit: « Art Vital: Pas de lieu de vie fixe, mouvement permanent, contact direct, relation locale, auto-sélection, limitations passagères, prise de risques, énergie mobile. » – EAI (Electronic Arts Intermix)

Ce titre est disponible pour des expositions, des projections et un usage institutionnel via Electronic Arts Intermix (EAI), NY. Veuillez visiter le catalogue en ligne EAI pour plus d’informations sur cet artiste et cette œuvre. Le site EAI offre de nombreuses ressources pour les conservateurs, les étudiants, les artistes et les éducateurs, notamment: un guide détaillé sur l’exposition, la collecte et la préservation de l’art médiatique; Une histoire cinétique: les archives EAI en ligne, une collection d’essais, de documents primaires et de médias retraçant les 40 ans d’histoire d’EAI et les premières années de la scène émergente de l’art vidéo; et du matériel contextuel et éducatif élargi.

Frank Uwe Laysiepen, dit Ulay, (né le 30 novembre 1943 à Solingen (Allemagne) et mort à Ljubljana en Slovénie le 2 mars 2020¹) est un artiste allemand pratiquant l’art performance.

Ses performances tournent autour de la relation au corps à l’espace et à la société. Par sa formation de photographe, il documente constamment ses performances. L’un de ses média préféré est l’appareil photographique instantané.

Ulay a pratiqué ses performances artistiques dans plusieurs pays tels les Pays-Bas, l’Australie, la Chine, l’Allemagne et les États-Unis.

De 1976 à 1988, il travaille avec Marina Abramović (qui est également sa compagne durant cette période²), réalisant à cette époque ses performances les plus connues.

Ulay et Abramović décident de réaliser une performance en Chine, sur la Grande Muraille. Le temps que les préparatifs et les formalités soient accomplis, leur relation s’achemine vers une rupture. Ils décident alors que cette performance marquera la fin de leur relation. En 1988, ils se sont ainsi chacun rendus à une extrémité de la Grande Muraille de Chine afin de s’y retrouver au centre. Ulay est ainsi parti du désert de Gobi et Abramović, de la mer Jaune. Après avoir marché chacun 2 500 km, ils se sont rencontrés au centre et se sont dit « au revoir »^{trad 1}. En 2010, ils se sont retrouvés pendant une minute l’un en face de l’autre durant une performance de Marina Abramović au Museum of Modern Art (MoMA)³.

De 1999 à 2004, il enseigne à l’École nationale supérieure pour la conception formelle de Karlsruhe. Il déménage ensuite à Amsterdam.

Dans une entrevue donnée en 2011, il affirme : « Récemment, j’ai décidé qu’à chaque fois que je rencontrais quelqu’un, j’allais me présenter comme « Eau ». Pensez-y : notre cerveau est composé d’environ 90 % d’eau et 68 % pour le reste de notre corps. Pas même « Homme-eau », simplement Eau : ça rend les gens curieux. Ils disent « Pardon ? » et je dis à nouveau « Eau. ». Ça suscite l’intérêt et pose les bases d’une conversation sur le sujet. Ce nouveau nom correspond à mon profond intérêt pour l’eau. » Source texte

Marina Abramović (en serbe en écriture cyrillique : Марина Абрамовић), née le 30 novembre 1946 à Belgrade, est une artiste serbe¹ qui pratique la performance. Faisant partie du courant artistique de l’art corporel, elle s’est lacérée et flagellée, a congelé son corps sur des blocs de glace, pris des produits psycho-actifs et de contrôle qui lui ont causé des pertes de connaissance.

Marina Abramović fait partie du courant artistique de l’Art corporel, elle s’est mise, à diverses reprises, en danger. Durant l’exécution d’une de ses œuvres, elle s’est même trouvée presque morte d’asphyxie sous un rideau de flammes.

Cependant, le but de cette artiste n’est pas le sensationnel. Ses œuvres sont des séries d’identification à des expériences et de redéfinition des limites : du contrôle de son propre corps, du rapport à un interprète, de l’art et par prolongation, des codes qui régissent la société. On peut donc dire que son projet artistique a l’ambitieux et profond dessein de rendre les personnes plus libres.

Selon Abramović, la performance est la présence de l’artiste avec sa propre structure mentale et son propre idée à un certain moment. Elle définit la performance strictement différente du théâtre. Il y a un replay dans le théâtre, et vous pouvez jouer quelqu’un d’autre dans le théâtre. La performance est réelle et elle y voit un art unique et éphémère. Son but est de créer des performances éclairantes pour le spectateur, ce qui signifie des performances qui changent les choses et éclairent les spectateur. L’une des choses les plus importantes qu’elle vise dans son art pour le spectateur d’être là, mentalement et physiquement, au cours de la performance et d’obtenir ce qu’ils peuvent.³
Plusieurs de ses œuvres des trente dernières années ont été brutales et perturbantes. Certaines d’entre elles ont atteint leur accomplissement final seulement quand un membre de l’assistance est intervenu. En cherchant le point auquel l’assistance atteint les limites de sa résistance à la douleur ou plutôt au témoignage de la douleur, l’artiste crée un point de rupture, accentuant radicalement le propre sens du moment du spectateur. Elle dit à ce propos : « Je suis intéressée par l’art qui dérange et qui pousse la représentation du danger. Et puis, l’observation du public doit être dans l’ici et maintenant. Garder l’attention sur le danger; c’est se mettre au centre de l’instant présent.⁴ » Source texte

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durée : 08:23 mn

Réalisé avec l’aide de Man Ray, Anémic cinéma est constitué de disques rotatifs où alternent motifs abstraits et inscriptions spiralées, selon un dispositif conceptuel et mécanique apparemment simple. Succession de plans fixes, ce dispositif mis en place par Marcel Duchamp apparaît comme une parodie du cinéma muet où s’enchaînent images et cartons d’intertitres. Aux effets optiques construisant les plans en profondeur répondent les énoncés involutifs qui ramènent le spectateur à la perception de la planéité. La lente rotation des disques produit un effet de renflement et de creusement dont le texte, constitué d’une série de calembours, prolonge les connotations érotiques.

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durée : 4:30 min. Silent. B&W

1966

Camera: Peter Moore.

Entry by Maciunas : High speed camera 2000fr/sec. match striking fire.”

Au début des années soixante, Fluxus s’inscrivit dans la continuité des avant-gardes futuristes et de Dada, dans une logique contrariant les dictats des Beaux-Arts et de l’art officiel.

L’esthétique pluridisciplinaire de Fluxus assimile des influences aussi diverses que la pensée Zen, la Science ou le quotidien à des fins seulement poétiques. Perçu au début comme un réseau international de farceurs, les artistes enjoués de Fluxus étaient, et restent encore, des visionnaires radicaux qui ont tenté de réconcilier l’art et la vie.

Datant des années soixante et compilée par George Maciunas (1931-1978, fondateur de Fluxus), l’anthologie des fluxfilms est un document composé de 37 courts métrages d’une durée variable de 10 secondes à 10 minutes. Eléments d’environnements éphémères, ces films, dont certains étaient destinés à être projeté en boucle, furent présentés lors d’événements et d’happenings de l’avant-garde new-yorkaise. Cette collection de films, réalisés par les artistes mentionnés ci-dessous, célèbre toute l’humeur éphémère de Fluxus.

Contient un livret de 32 pages de Maeva Aubert sur les artistes Fluxus et leurs films.

40 Films de Nam June Paik, Dick Higgins, George Maciunas, Chieko Shiomi, John Cavanaugh, James Riddle, Yoko Ono, George Brecht, Robert Watts, Pieter Vanderbiek, Joe Jones, Eric Anderson, Jeff Perkins, Wolf Vostell, Albert Fine, George Landow, Paul Sharits, John Cale, Peter Kennedy, Mike Parr, Ben Vautier.    16mm, b/w & couleur, 120′, 1962-1970     Source texte : (Re)Voir

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durée : 10:05 mn

1958

Bert Haanstra, né le 31 mai 1916 à Espelo et mort le 23 octobre 1997 à Hilversum, est un réalisateur et documentariste néerlandais.

Glass  is a 1958 Nederland short documentary film by director and producer Bert Haanstra. The film won the Academy Award for Documentary Short Subject in 1959.^[1][2] The film is about the glass industry in the Netherlands. It contrasts the handmade crystal from the Royal Leerdam Glass Factory with automated bottle making machines. Short segments of artisans making various glass goods by hand are joined with those of mass production. It is often acclaimed to be the perfect short documentary.

Bert Haanstra s’installe comme photographe à Amsterdam en 1934 puis devient réalisateur en 1947. Son court-métrage documentaire Spiegel van Holland (Miroirs de Hollande) reçut plusieurs récompenses dont le Grand Prix du court métrage au festival de Cannes de 1951. Il réalise six films pour Shell durant les années 1950. Son documentaire Glas (Verre), une improvisation filmique tournée dans une verrerie, gagne l’Oscar du meilleur court-métrage documentaire en 1958. Bert Haanstra a également réalisé des films de fiction dont Fanfare (en), une comédie qui est encore aujourd’hui à la deuxième place du box office néerlandais derrière Turks fruit de Paul Verhoeven. Bert Haanstra a filmé les Pays-Bas et leurs habitants dans de nombreux documentaires dont Alleman (Monsieur Tout-le-Monde) and De Stem van het water qui ont fait de lui l’un des réalisateurs les plus populaires du cinéma néerlandais. Alleman (Monsieur Tout-le-Monde a été vu au cinéma par 20 % de la population des Pays-Bas. Bert Haanstra s’est tourné vers la réalisation de documentaires animaliers dans les années 1970. Il a ainsi collaboré avec Frans de Waal et Jane Goodall pour Bij de beesten af (Pire que les bêtes) (1973) dans lequel il comparait les comportements animaux et humains. Il a reçu 78 récompenses lors de sa carrière et avait été fait officier de l’ordre d’Orange-Nassau.

Bert Haanstra a également été scénariste, monteur, directeur de la photographie (de films qu’il a réalisé, la plupart du temps) et acteur (dans Amsterdamned de Dick Maas). Il a enfin été conseiller technique sur De Wisselwachter (L’Aiguilleur de Jos Stelling). Source wikipedia

Autre lien passionnant : https://creators.vice.com/en_us/article/nz4m9g/bert-haanstra-documentaries

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durée : 38:00 mn

1996

Enquête sur un film amateur trouvé dans une caméra d’occasion.

L’amie d’Henri-François Imbert lui a offert une caméra Super 8 achetée chez un brocanteur de Belfast. À l’intérieur, il trouve une pellicule qu’il fait développer et sur laquelle il découvre deux minutes de bonheur familial sur une plage. Fasciné par cette brève intrusion dans une autre vie, dans une autre époque, il ne cesse de se repasser le film. Puis il se met en quête de cette famille dont il ne connaît rien, à part ces quelques images…

Producteur : PRETTY PICTURES

Récompenses : Gold Plaque Award, Chicago 1996
Grand Prix, Bruxelles 1996
Prix découverte Scam 1997

durée : 06:36 mn

2005

« Un petit film tourné-monté en une après-midi.
Exercice donné par l’équipe pédagogique de Lussas, en novembre 2004. Ça consiste à tourner tous les plans d’un film en continuité, dans l’ordre chronologique, c’est-à-dire dans le même ordre que celui qui sera présenté au spectateur et en ne réalisant qu’une seule prise par plan, de sorte que le film n’ait pas besoin d’être monté ultérieurement.
Je me souviens de l’euphorie de la mise en place de chaque plan et le stress à chaque fois que tu appuies sur REC, surtout quand il y a aussi du son, de la musique à intégrer.
Au final, c’est surtout un film sur mes grands-mères.
Ma grand-mère maternelle l’avait vu et l’aimait beaucoup.
J’aime son côté bricolé, foutrac. C’est un film fait-maison, fait à la main, comme leurs tartes aux pommes. »

Et une biographie bien dite : Je suis née en 1974 à Vichy.
J’ai « fait les beaux arts » à Clermont-Ferrand. J’ai exposé mon travail dans des lieux d’art contemporain dés ma sortie de l’école (à l’abbaye St André à Meymac, à St Fons, au Creux de l’enfer, à Thiers, à l’espace d’art contemporain de la ville de Paris, au Musée d’art contemporain de Lyon…). Puis j’ai fait un post-diplôme à l’école d’art de Lyon. C’est là, avec Jean Pierre Rhem, mon « tuteur », que j’ai rencontré le documentaire de création. J’ai décidé alors de prendre un autre chemin, et j’ai fait un master de réalisation documentaire à Lussas. Ce lien vers la suite : http://loic-lantoine.wifeo.com/laetitia-carton.php

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durée : 06:13 mn

2014

Bonjour

je suis Rémi Sayagh, le fils de Jacques … Ses choix de vie n’ont pas toujours été les miens mais la vie est faite ainsi.
J’en appelle à votre empathie et soutien pour lui permettre de pouvoir sortir de cet environnement qu’il affectionne tant.
J’aimerais qu’il puisse vivre de sa passion mais différemment
Qui sait …pourra t’il accomplir son rêve et aller s’entrainer aux états unis ou plus simplement un pick up ou camping car pour dormir ailleurs que sous sa tente .

durée : 09:47 mn

2012

by : Kevin B. Lee

2014

The nine minute shot in NOSTALGHIA of a man carrying a candle is perhaps the most famous shot in all of Andrei Tarkovsky’s films. What if we saw each of the 123 shots in the movie as a candle flickering with cinematic life… until it goes out? A video by Kevin B. Lee.

Full description: fandor.com/keyframe/andrei-tarkovskys-cinematic-candles

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