durée : 01:37 mn

1940

Norman McLaren, né le 11 avril 1914 à Stirling en Écosse et mort le 26 janvier 1987 à Montréal au Canada, est un réalisateur canadien d’origine britannique. Il est considéré comme un des grands maîtres du cinéma d’animation mondial. Son nom est étroitement associé à l’Office national du film du Canada.

Son œuvre s’est développée au sein du bouillonnement culturel et politique du cinéma québécois d’alors. Certains de ses films se feront d’ailleurs en français.

Il a expérimenté de nombreuses techniques d’animation sans caméra (grattage de pellicule, peinture sur pellicule et même peinture du son sur pellicule (en)), pixilation, prise de vue réelle, stop motion, dessin animé. Ainsi que le dit Olivier Cotte, historien du cinéma d’animation: l’oeuvre de Norman McLaren a su marier l’expérimentation la plus intègre et le plaisir des sens et du jeu. Si Walt Disney a défini une certaine forme narrative animée, McLaren a, davantage que tout autre réalisateur, exploré l’essence de l’art de l’animation sans jamais commettre l’erreur si tentante de l’enfermer dans un dogme.¹

Norman McLaren s’est notamment inspiré des techniques de superposition de personnage sur un décor d’Émile Courtet, dans ses techniques de peinture sur pellicule, comme dans Love on the Wing par exemple.

D’une créativité débordante, McLaren expérimente constamment, à la manière de l’artiste visuel dans son studio. Il utilise les mêmes images de départ dans ses 2 films Lignes horizontales et Lignes verticales.

Il innove également dans la création du son, dessinant directement la piste sonore optique de ses films. Il se crée un système de repères, établissant des correspondances entre espaces des traits et notes de musiques, auquel il ajoute des masques afin de créer des ondes sonores simples ou plus complexes. On voit son travail à ce niveau dans À la Pointe de la Plume. Mais ce travail sur le son va plus loin : Mc Laren a toujours recherché une symbiose entre son et image. L’image danse sur la musique de la bande sonore. On peut dire que McLaren a dessiné pour nous aider à entendre et composé de la musique pour nous aider à voir. L’œil voit ce que l’oreille entend et réciproquement. Ainsi, en définitive, l’œil entend, l’oreille voit. Ceci est d’ailleurs le titre d’un film de McLaren dans lequel il réalise, à partir d’un piano, non seulement le son du film mais aussi l’image.

Il travaillait au sein de l’Office national du film du Canada et il fut le compagnon de vie du directeur de la section française de l’ONF, Guy Glover (en). Source Wikipédia

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Durée : 06:56 mn

1964

n/b

Norman McLaren, né le 11 avril 1914 à Stirling en Écosse et mort le 26 janvier 1987 à Montréal au Canada, est un réalisateur canadien d’origine britannique. Il est considéré comme un des grands maîtres du cinéma d’animation mondial. Son nom est étroitement associé à l’Office national du film du Canada.

Son œuvre s’est développée au sein du bouillonnement culturel et politique du cinéma québécois d’alors. Certains de ses films se feront d’ailleurs en français.

Il a expérimenté de nombreuses techniques d’animation sans caméra (grattage de pellicule, peinture sur pellicule et même peinture du son sur pellicule (en)), pixilation, prise de vue réelle, stop motion, dessin animé. Ainsi que le dit Olivier Cotte, historien du cinéma d’animation: l’oeuvre de Norman McLaren a su marier l’expérimentation la plus intègre et le plaisir des sens et du jeu. Si Walt Disney a défini une certaine forme narrative animée, McLaren a, davantage que tout autre réalisateur, exploré l’essence de l’art de l’animation sans jamais commettre l’erreur si tentante de l’enfermer dans un dogme.¹

Norman McLaren s’est notamment inspiré des techniques de superposition de personnage sur un décor d’Émile Courtet, dans ses techniques de peinture sur pellicule, comme dans Love on the Wing par exemple.

D’une créativité débordante, McLaren expérimente constamment, à la manière de l’artiste visuel dans son studio. Il utilise les mêmes images de départ dans ses 2 films Lignes horizontales et Lignes verticales.

Il innove également dans la création du son, dessinant directement la piste sonore optique de ses films. Il se crée un système de repères, établissant des correspondances entre espaces des traits et notes de musiques, auquel il ajoute des masques afin de créer des ondes sonores simples ou plus complexes. On voit son travail à ce niveau dans À la Pointe de la Plume. Mais ce travail sur le son va plus loin : Mc Laren a toujours recherché une symbiose entre son et image. L’image danse sur la musique de la bande sonore. On peut dire que McLaren a dessiné pour nous aider à entendre et composé de la musique pour nous aider à voir. L’œil voit ce que l’oreille entend et réciproquement. Ainsi, en définitive, l’œil entend, l’oreille voit. Ceci est d’ailleurs le titre d’un film de McLaren dans lequel il réalise, à partir d’un piano, non seulement le son du film mais aussi l’image.

Il travaillait au sein de l’Office national du film du Canada et il fut le compagnon de vie du directeur de la section française de l’ONF, Guy Glover (en). Source Wikipédia

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durée : 07:31 mn

1989

Jan Švankmajer, né le 4 septembre 1934 à Prague, est un réalisateur surréaliste tchèque connu notamment pour ses films d’animation. Son dernier film, Survivre à sa vie (théorie et pratique) (Přežít svůj život [teorie a praxe]), en prises de vue réelles, est sorti dans les salles en 2010. Son travail a notamment influencé les frères Quay, Tim Burton et Terry Gilliam.

Après avoir étudié la création de décors à l’École des arts appliqués de Prague de 1950 à 1954, Jan Švankmajer entre à la faculté d’art dramatique de l’Académie des beaux-arts de Prague, dans la section marionnettes. Il commence sa carrière avec le Théâtre de masques et le Black Theater avant d’intégrer en 1962 le célèbre théâtre de marionnettes Laterna magika.

Jan Švankmajer réalise son premier court-métrage en 1964 : Le Dernier Truc de M. Schwarzwald et de M. Edgar (Poslední trik pana Schwarcewalldea a pana Edgara), influencé (comme pour tout le reste de sa carrière) par le théâtre de marionnettes, le surréalisme et le maniérisme.

À la fin des années cinquante, il rencontre la peintre tchèque Eva Dvořáková (en) avec qui il se marie en 1960¹. En 1970, par l’intermédiaire du peintre surréaliste d’origine cubaine Jorge Camacho, membre du groupe surréaliste parisien de passage à Prague, tous deux prennent contact avec le poète et théoricien surréaliste tchèque Vratislav Effenberger. Ils intègrent peu après le Groupe surréaliste de Prague [archive], dont Jan Svankmajer fait toujours partie.   lire la suite

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durée : 07:12 mn

1938

Oskar Fischinger, né le 22 juin 1900 à Gelnhausen (Hesse) et mort le 31 janvier 1967 à Los Angeles (Californie), est un peintre et un réalisateur de cinéma d’animation expérimentaux allemand.

Il réalise notamment dans les années 1920 et 1930 des films abstraits d’animation en volume à base de pâte à modeler. Avec Fantasia, Walt Disney s’inspire en partie de son travail et a fait appel à lui pour un segment.

Très tôt, Oskar Fischinger touche à la peinture, encouragé par les peintres de l’époque qui viennent peindre le paysage de sa ville natale. Il s’intéresse également à la musique et prend même des leçons de piano.

Plus grand, il travaille en tant que dessinateur dans un bureau d’architecte, jusqu’à ce qu’il soit appelé à la guerre. Et peu de temps après il est révoqué. Avec sa famille, il décide alors de déménager à l’ouest de Francfort. Là, il étudie dans une école de commerce et travaille dans une usine où il obtient son diplôme d’ingénieur.

En 1921, il rencontre Bernhard Diebold (en), un critique de théâtre qui l’initie à la réalisation.

Il part à Munich où il commence à travailler sur son premier modèle de production. En 1924, il est engagé par l’Américain Louis Seel pour produire des dessins animés satiriques. Là, il essaie de nouvelles techniques. Son premier film est né en 1927, où il allie plusieurs projecteurs avec divers accompagnements musicaux.

Mais face à des difficultés financières, Oskar Fischinger quitte Munich pour Berlin. À Berlin, il emprunte de l’argent et crée un studio où il crée des effets spéciaux pour diverses productions.

En 1928, il est engagé par Fritz Lang. Sur son propre temps, il expérimente avec du fusain des animations. Il produit une série Studies, qu’il synchronise avec de la musique populaire et classique. Ses Studies sont plus ou moins projetées^{[réf. nécessaire]}. En 1931, Universal Pictures achète les droits du Studie Nr 5 pour le public.

À l’arrivée des nazis au pouvoir en 1933, les conditions de la création deviennent plus difficiles pour les cinéastes d’avant-garde dont les productions peuvent être assimilées à de l’art dit dégénéré. Fischinger continue néanmoins à faire des films, parfois secrètement, et trouve du travail auprès des annonceurs publicitaires. Il réalise notamment des films publicitaires pour la célèbre compagnie de cigarettes Muratti.

Bien qu’il se soit heurté parfois aux autorités nazies, il réussit néanmoins à achever son œuvre abstraite Komposition in Blau en 1935. Cette œuvre, dont la diffusion a été autorisée, est même bien reçue par la critique. Un agent de la Metro-Goldwyn-Mayer la projette aux États-Unis et Ernst Lubitsch, impressionné par ce film, décide de projeter plusieurs des films de Fischinger. Un agent de la Paramount Pictures le remarque et l’invite à venir travailler en Amérique.

En février 1936, il arrive à Hollywood. Il prépare alors le film Allegretto, un film prévu pour être inclus dans le long métrage The Big Broadcast. Malheureusement, la Paramount change de projet. De Technicolor, la Paramount décide de passer en noir et blanc. Oskar Fischinger décide alors de quitter la Paramount.

Plus tard, avec l’aide de Hilla Von Baronne et avec la subvention d’un musée, Oskar Fischinger rachète les droits d’Allegretto. Il refait avec ses couleurs, et le film est projeté. C’est l’un des films les plus populaires de l’époque.

Cependant, Oskar Fischinger, frustré dans son cinéma, se tourne vers la peinture à l’huile et la stéréoscopie.

En 1949, il reçoit le Grand Prix du festival international du cinéma expérimental de Knokke-le-Zoute (en Belgique) avec Motion Painting n^o 1.

En 1950, il invente le Lumigraph sur lequel il réalise quelques films.

Dans ses travaux, il a décidé de combiner ses deux grandes passions, la musique et les arts graphiques.

Inspiré des travaux de Walter Ruttmann, Oskar Fischinger a commencé à expérimenter avec des couleurs liquides et des matériaux comme la cire et l’argile.

Les travaux d’Oskar Fischinger sont surprenants de modernité pour l’époque, comme le pop art l’était.

Source Wikipédia

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Durée : 09:55 mn

1957

n&b (coréalisé avec Claude Jutra; musique de Ravi Shankar).

Norman McLaren, né le 11 avril 1914 à Stirling en Écosse et mort le 26 janvier 1987 à Montréal au Canada, est un réalisateur canadien d’origine britannique. Il est considéré comme un des grands maîtres du cinéma d’animation mondial. Son nom est étroitement associé à l’Office national du film du Canada.

Son œuvre s’est développée au sein du bouillonnement culturel et politique du cinéma québécois d’alors. Certains de ses films se feront d’ailleurs en français.

Il a expérimenté de nombreuses techniques d’animation sans caméra (grattage de pellicule, peinture sur pellicule et même peinture du son sur pellicule (en)), pixilation, prise de vue réelle, stop motion, dessin animé. Ainsi que le dit Olivier Cotte, historien du cinéma d’animation: l’oeuvre de Norman McLaren a su marier l’expérimentation la plus intègre et le plaisir des sens et du jeu. Si Walt Disney a défini une certaine forme narrative animée, McLaren a, davantage que tout autre réalisateur, exploré l’essence de l’art de l’animation sans jamais commettre l’erreur si tentante de l’enfermer dans un dogme.¹

Norman McLaren s’est notamment inspiré des techniques de superposition de personnage sur un décor d’Émile Courtet, dans ses techniques de peinture sur pellicule, comme dans Love on the Wing par exemple.

D’une créativité débordante, McLaren expérimente constamment, à la manière de l’artiste visuel dans son studio. Il utilise les mêmes images de départ dans ses 2 films Lignes horizontales et Lignes verticales.

Il innove également dans la création du son, dessinant directement la piste sonore optique de ses films. Il se crée un système de repères, établissant des correspondances entre espaces des traits et notes de musiques, auquel il ajoute des masques afin de créer des ondes sonores simples ou plus complexes. On voit son travail à ce niveau dans À la Pointe de la Plume. Mais ce travail sur le son va plus loin : Mc Laren a toujours recherché une symbiose entre son et image. L’image danse sur la musique de la bande sonore. On peut dire que McLaren a dessiné pour nous aider à entendre et composé de la musique pour nous aider à voir. L’œil voit ce que l’oreille entend et réciproquement. Ainsi, en définitive, l’œil entend, l’oreille voit. Ceci est d’ailleurs le titre d’un film de McLaren dans lequel il réalise, à partir d’un piano, non seulement le son du film mais aussi l’image.

Il travaillait au sein de l’Office national du film du Canada et il fut le compagnon de vie du directeur de la section française de l’ONF, Guy Glover (en). Source Wikipédia

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00:59 mn

2013

l’attente et la danse légère d’un ballon rouge pour une une libération empirique… un petit clin d’oeil à l’artiste Suisse Roman Signer

voir le site de l’artiste : mikeflemingphotography.com

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durée : 00:57 mn

2014

by : Lycée professionnel de coiffure Pierre Masson de  SAINT-HERBLAIN

durée : 10:30 mn

2014

1er PRIX  aux Rencontres Lycéennes de Vidéo de Bagnères-de-Bigorre, le Lycée professionnel de coiffure Pierre Masson de  SAINT-HERBLAIN nous propose un road movie poétique et épique à travers un montage d’une fraicheur conceptuelle et créative.

Synopsis  : Quatre lycéens vont présenter leur film à un festival de cinéma. Mais la route est parfois longue jusqu’à la montagne…
Commentaires du jury : pour sa déclaration d’amour au cinéma, pour sa camaraderie, pour son inventivité, pour sa capacité à rebondir, pour sa fraicheur et pour sa combativité face au défi.

L’Association des Rencontres Lycéennes de Vidéo réunit, pendant 4 jours, chaque week-end de l’ascension, à Bagnères-de-Bigorre, 400 jeunes lycéens, accompagnateurs et vidéastes amateurs venus de toute la France et d’autres pays européens. _ Tout est mis en œuvre pour organiser de véritables rencontres et échanges autour de films de 6,30 minutes réalisés sur un thème commun. _ Le nombre important d’inscriptions nécessite des sélections qui se déroulent au mois d’avril sur la base de critères qui prennent en compte la diversité des situations et des pratiques audiovisuelles, et bien évidemment, la qualité des films présentés.

Site du festival : http://rlv65.fr/spip.php?rubrique1

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durée : 68:47 mn

1973

À signaler que cette diffusion est souvent temporaire, les partages de ce film sur internet  sont malheureusement régulièrement supprimés en raison des droits d’auteurs, en ce qui concerne sa diffusion sur edenroc.tv, c’est déjà la 5eme version que je retrouve et réactualise, donc on en profite avant qu’il ne disparaisse de nouveau. Cette œuvre devrait être depuis longtemps dans le domaine publique et partagée sans modération.

La Planète sauvage est un film d’animation de science-fiction réalisé par René Laloux, sorti en 1973. Le scénario s’inspire librement du roman Oms en série de Stefan Wul.

Le scénario est écrit par René Laloux et Roland Topor. Les images du film sont créées à partir des dessins de Roland Topor dans les studios d’animation Jiří Trnka de Krátký Film à Prague. L’animation emploie la technique du papier découpé.

Sur la planète Ygam vivent les Draags, une espèce d’humanoïdes mesurant douze mètres de haut. Ils ont atteint les plus hauts sommets de la connaissance. Leur existence s’écoule lentement, tout entière tournée vers la méditation. Les enfants des Draags raffolent de minuscules animaux familiers, les Oms, ramenés d’une lointaine planète dévastée, Terra. Peu de Draags envisagent les Oms comme des créatures intelligentes, même s’ils sont doués d’une faculté d’adaptation certaine. Certains Draags considèrent même cette espèce comme nuisible, car si les Oms de luxe font la joie des petits, les spécimens qui s’échappent et retournent à l’état sauvage tendent à proliférer dans les parcs et endommagent les installations des Draags.

• Réalisation : René Laloux
• Scénario : René Laloux et Roland Topor d’après le roman de Stefan Wul
• Musique : Alain Goraguer
• Photographie : Boris Baromykin et Lubomir Rejthar
• Technique d’animation : papier découpé
• Production : Simon Damiani, Anatole Dauman et André Valio-Cavaglione
• Studios de production : Les films Armorial (Paris), Service de la recherche ORTF (Paris), Československý Filmexport (Prague)
• Pays d’origine :  France,  Tchécoslovaquie
• Langue : français
• Format : Couleurs – 1,66:1 – Mono
• Genre : Animation, science-fiction
• Durée : 72 minutes
• Date de sortie : 1973La Planète sauvage obtient le Prix Spécial du jury à Cannes en 1973 et un Prix Saint-Michel à Bruxelles en 1974.

La Planète Sauvage est une adaptation poétique du roman de Stefan Wul. Représentant des humains ravalés au rang d’animaux domestiques des gigantesques Draags, Laloux met en scène une réflexion sur l’intelligence, la société, la politique et la nature humaine.

Source texte : http://fr.wikipedia.org/wiki/La_Plan%C3%A8te_sauvage

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by : Emanuel Strixner

durée : 02:00 mn

2012