durée : 13:00 mn

1924

Ballet mécanique est un film expérimental dadaïste post-cubiste français de Dudley Murphy et Fernand Léger, réalisé en 1924, d’après le ballet éponyme du compositeur américain George Antheil.

Le film, premier film sans réel scénario, est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre du cinéma expérimental.

Le film a un titre alternatif inscrit sur un carton au début du film, Charlot présente le ballet mécanique. Charlot est le patronyme d’André Charlot, producteur de film, et également le surnom de Charlie Chaplin. Le film débute en effet par une animation abstraite d’un personnage qui peut faire penser à cet artiste par le chapeau melon et la canne emblématiques de son personnage de Charlot.

Le film devait utiliser la partition de George Antheil. Cependant, il n’y eut quasiment pas de coordination entre les différents créateurs de l’œuvre et, finalement, à la suite de nombreux désaccords, la partition ne correspondit pas au film. De plus, la partition originale d’Antheil couvrait trente minutes alors que le film totalise une durée de seulement seize minutes. Le film est finalement sorti sans musique originale.

Le 25 août 2000, une copie du film réalisée par Paul Lehrman a été présentée au public accompagnée de sa bande son au Cultuurmarkt van Vlaanderen à Anvers, en Belgique.

Actuellement, le film et le ballet sont considérés comme étant deux œuvres distinctes.

Le film est un kaléidoscope d’images présentées sur une bande son énergique. Une jeune femme dans un jardin se balance sur une balançoire, une autre sourit. Des cylindres, des pistons, des engrenages et des turbines tournent ou sont en perpétuel mouvement. Des ustensiles de cuisine — casseroles, couvercles de casseroles et entonnoirs — sont disposés en cercles concentriques ou en ligne, au-dessus desquels des voitures passent. Maintes et maintes fois, une femme corpulente portant un gros sac sur son épaule monte les escaliers. Un personnage de dessin animé Art déco apparaît, dansant. C’est un monde tout en mouvement, dominé par des images mécaniques et répétitives, avec seulement quelques moments de solitude dans un jardin. Source texte

• Titre : Ballet mécanique
• Titre alternatif : Charlot présente le ballet mécanique
• Réalisation : Fernand Léger, Dudley Murphy
• Scénario : Fernand Léger
• Musique originale (1926) : George Antheil
• Musique (1986) : Michael Nyman
• Images : Dudley Murphy, Man Ray
• Pays de production : France
• Année de sortie : 1924
• Durée : 16 minutes (version de Kiesler) / 19 minutes (version de Léger)
• Format : Noir et blanc, muet

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durée : 01:37 mn

1940

Norman McLaren, né le 11 avril 1914 à Stirling en Écosse et mort le 26 janvier 1987 à Montréal au Canada, est un réalisateur canadien d’origine britannique. Il est considéré comme un des grands maîtres du cinéma d’animation mondial. Son nom est étroitement associé à l’Office national du film du Canada.

Son œuvre s’est développée au sein du bouillonnement culturel et politique du cinéma québécois d’alors. Certains de ses films se feront d’ailleurs en français.

Il a expérimenté de nombreuses techniques d’animation sans caméra (grattage de pellicule, peinture sur pellicule et même peinture du son sur pellicule (en)), pixilation, prise de vue réelle, stop motion, dessin animé. Ainsi que le dit Olivier Cotte, historien du cinéma d’animation: l’oeuvre de Norman McLaren a su marier l’expérimentation la plus intègre et le plaisir des sens et du jeu. Si Walt Disney a défini une certaine forme narrative animée, McLaren a, davantage que tout autre réalisateur, exploré l’essence de l’art de l’animation sans jamais commettre l’erreur si tentante de l’enfermer dans un dogme.¹

Norman McLaren s’est notamment inspiré des techniques de superposition de personnage sur un décor d’Émile Courtet, dans ses techniques de peinture sur pellicule, comme dans Love on the Wing par exemple.

D’une créativité débordante, McLaren expérimente constamment, à la manière de l’artiste visuel dans son studio. Il utilise les mêmes images de départ dans ses 2 films Lignes horizontales et Lignes verticales.

Il innove également dans la création du son, dessinant directement la piste sonore optique de ses films. Il se crée un système de repères, établissant des correspondances entre espaces des traits et notes de musiques, auquel il ajoute des masques afin de créer des ondes sonores simples ou plus complexes. On voit son travail à ce niveau dans À la Pointe de la Plume. Mais ce travail sur le son va plus loin : Mc Laren a toujours recherché une symbiose entre son et image. L’image danse sur la musique de la bande sonore. On peut dire que McLaren a dessiné pour nous aider à entendre et composé de la musique pour nous aider à voir. L’œil voit ce que l’oreille entend et réciproquement. Ainsi, en définitive, l’œil entend, l’oreille voit. Ceci est d’ailleurs le titre d’un film de McLaren dans lequel il réalise, à partir d’un piano, non seulement le son du film mais aussi l’image.

Il travaillait au sein de l’Office national du film du Canada et il fut le compagnon de vie du directeur de la section française de l’ONF, Guy Glover (en). Source Wikipédia

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durée : 08:00 mn

1952

Offert par l’Office national du film du Canada

Court métrage d’animation le plus célèbre de Norman McLaren pour lequel il remporte un Oscar®. Le film raconte l’histoire de deux voisins vivant dans l’amitié et le respect jusqu’à ce qu’une fleur pousse à la ligne mitoyenne de leurs propriétés. S’ensuit une querelle qui mènera les deux voisins au tombeau.

Ce film peut contenir des scènes de violence, de nudité ou traiter d’un sujet sensible. Pour public averti.

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Durée : 06:56 mn

1964

n/b

Norman McLaren, né le 11 avril 1914 à Stirling en Écosse et mort le 26 janvier 1987 à Montréal au Canada, est un réalisateur canadien d’origine britannique. Il est considéré comme un des grands maîtres du cinéma d’animation mondial. Son nom est étroitement associé à l’Office national du film du Canada.

Son œuvre s’est développée au sein du bouillonnement culturel et politique du cinéma québécois d’alors. Certains de ses films se feront d’ailleurs en français.

Il a expérimenté de nombreuses techniques d’animation sans caméra (grattage de pellicule, peinture sur pellicule et même peinture du son sur pellicule (en)), pixilation, prise de vue réelle, stop motion, dessin animé. Ainsi que le dit Olivier Cotte, historien du cinéma d’animation: l’oeuvre de Norman McLaren a su marier l’expérimentation la plus intègre et le plaisir des sens et du jeu. Si Walt Disney a défini une certaine forme narrative animée, McLaren a, davantage que tout autre réalisateur, exploré l’essence de l’art de l’animation sans jamais commettre l’erreur si tentante de l’enfermer dans un dogme.¹

Norman McLaren s’est notamment inspiré des techniques de superposition de personnage sur un décor d’Émile Courtet, dans ses techniques de peinture sur pellicule, comme dans Love on the Wing par exemple.

D’une créativité débordante, McLaren expérimente constamment, à la manière de l’artiste visuel dans son studio. Il utilise les mêmes images de départ dans ses 2 films Lignes horizontales et Lignes verticales.

Il innove également dans la création du son, dessinant directement la piste sonore optique de ses films. Il se crée un système de repères, établissant des correspondances entre espaces des traits et notes de musiques, auquel il ajoute des masques afin de créer des ondes sonores simples ou plus complexes. On voit son travail à ce niveau dans À la Pointe de la Plume. Mais ce travail sur le son va plus loin : Mc Laren a toujours recherché une symbiose entre son et image. L’image danse sur la musique de la bande sonore. On peut dire que McLaren a dessiné pour nous aider à entendre et composé de la musique pour nous aider à voir. L’œil voit ce que l’oreille entend et réciproquement. Ainsi, en définitive, l’œil entend, l’oreille voit. Ceci est d’ailleurs le titre d’un film de McLaren dans lequel il réalise, à partir d’un piano, non seulement le son du film mais aussi l’image.

Il travaillait au sein de l’Office national du film du Canada et il fut le compagnon de vie du directeur de la section française de l’ONF, Guy Glover (en). Source Wikipédia

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durée : 07:12 mn

1938

Oskar Fischinger, né le 22 juin 1900 à Gelnhausen (Hesse) et mort le 31 janvier 1967 à Los Angeles (Californie), est un peintre et un réalisateur de cinéma d’animation expérimentaux allemand.

Il réalise notamment dans les années 1920 et 1930 des films abstraits d’animation en volume à base de pâte à modeler. Avec Fantasia, Walt Disney s’inspire en partie de son travail et a fait appel à lui pour un segment.

Très tôt, Oskar Fischinger touche à la peinture, encouragé par les peintres de l’époque qui viennent peindre le paysage de sa ville natale. Il s’intéresse également à la musique et prend même des leçons de piano.

Plus grand, il travaille en tant que dessinateur dans un bureau d’architecte, jusqu’à ce qu’il soit appelé à la guerre. Et peu de temps après il est révoqué. Avec sa famille, il décide alors de déménager à l’ouest de Francfort. Là, il étudie dans une école de commerce et travaille dans une usine où il obtient son diplôme d’ingénieur.

En 1921, il rencontre Bernhard Diebold (en), un critique de théâtre qui l’initie à la réalisation.

Il part à Munich où il commence à travailler sur son premier modèle de production. En 1924, il est engagé par l’Américain Louis Seel pour produire des dessins animés satiriques. Là, il essaie de nouvelles techniques. Son premier film est né en 1927, où il allie plusieurs projecteurs avec divers accompagnements musicaux.

Mais face à des difficultés financières, Oskar Fischinger quitte Munich pour Berlin. À Berlin, il emprunte de l’argent et crée un studio où il crée des effets spéciaux pour diverses productions.

En 1928, il est engagé par Fritz Lang. Sur son propre temps, il expérimente avec du fusain des animations. Il produit une série Studies, qu’il synchronise avec de la musique populaire et classique. Ses Studies sont plus ou moins projetées^{[réf. nécessaire]}. En 1931, Universal Pictures achète les droits du Studie Nr 5 pour le public.

À l’arrivée des nazis au pouvoir en 1933, les conditions de la création deviennent plus difficiles pour les cinéastes d’avant-garde dont les productions peuvent être assimilées à de l’art dit dégénéré. Fischinger continue néanmoins à faire des films, parfois secrètement, et trouve du travail auprès des annonceurs publicitaires. Il réalise notamment des films publicitaires pour la célèbre compagnie de cigarettes Muratti.

Bien qu’il se soit heurté parfois aux autorités nazies, il réussit néanmoins à achever son œuvre abstraite Komposition in Blau en 1935. Cette œuvre, dont la diffusion a été autorisée, est même bien reçue par la critique. Un agent de la Metro-Goldwyn-Mayer la projette aux États-Unis et Ernst Lubitsch, impressionné par ce film, décide de projeter plusieurs des films de Fischinger. Un agent de la Paramount Pictures le remarque et l’invite à venir travailler en Amérique.

En février 1936, il arrive à Hollywood. Il prépare alors le film Allegretto, un film prévu pour être inclus dans le long métrage The Big Broadcast. Malheureusement, la Paramount change de projet. De Technicolor, la Paramount décide de passer en noir et blanc. Oskar Fischinger décide alors de quitter la Paramount.

Plus tard, avec l’aide de Hilla Von Baronne et avec la subvention d’un musée, Oskar Fischinger rachète les droits d’Allegretto. Il refait avec ses couleurs, et le film est projeté. C’est l’un des films les plus populaires de l’époque.

Cependant, Oskar Fischinger, frustré dans son cinéma, se tourne vers la peinture à l’huile et la stéréoscopie.

En 1949, il reçoit le Grand Prix du festival international du cinéma expérimental de Knokke-le-Zoute (en Belgique) avec Motion Painting n^o 1.

En 1950, il invente le Lumigraph sur lequel il réalise quelques films.

Dans ses travaux, il a décidé de combiner ses deux grandes passions, la musique et les arts graphiques.

Inspiré des travaux de Walter Ruttmann, Oskar Fischinger a commencé à expérimenter avec des couleurs liquides et des matériaux comme la cire et l’argile.

Les travaux d’Oskar Fischinger sont surprenants de modernité pour l’époque, comme le pop art l’était.

Source Wikipédia

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Durée : 09:55 mn

1957

n&b (coréalisé avec Claude Jutra; musique de Ravi Shankar).

Norman McLaren, né le 11 avril 1914 à Stirling en Écosse et mort le 26 janvier 1987 à Montréal au Canada, est un réalisateur canadien d’origine britannique. Il est considéré comme un des grands maîtres du cinéma d’animation mondial. Son nom est étroitement associé à l’Office national du film du Canada.

Son œuvre s’est développée au sein du bouillonnement culturel et politique du cinéma québécois d’alors. Certains de ses films se feront d’ailleurs en français.

Il a expérimenté de nombreuses techniques d’animation sans caméra (grattage de pellicule, peinture sur pellicule et même peinture du son sur pellicule (en)), pixilation, prise de vue réelle, stop motion, dessin animé. Ainsi que le dit Olivier Cotte, historien du cinéma d’animation: l’oeuvre de Norman McLaren a su marier l’expérimentation la plus intègre et le plaisir des sens et du jeu. Si Walt Disney a défini une certaine forme narrative animée, McLaren a, davantage que tout autre réalisateur, exploré l’essence de l’art de l’animation sans jamais commettre l’erreur si tentante de l’enfermer dans un dogme.¹

Norman McLaren s’est notamment inspiré des techniques de superposition de personnage sur un décor d’Émile Courtet, dans ses techniques de peinture sur pellicule, comme dans Love on the Wing par exemple.

D’une créativité débordante, McLaren expérimente constamment, à la manière de l’artiste visuel dans son studio. Il utilise les mêmes images de départ dans ses 2 films Lignes horizontales et Lignes verticales.

Il innove également dans la création du son, dessinant directement la piste sonore optique de ses films. Il se crée un système de repères, établissant des correspondances entre espaces des traits et notes de musiques, auquel il ajoute des masques afin de créer des ondes sonores simples ou plus complexes. On voit son travail à ce niveau dans À la Pointe de la Plume. Mais ce travail sur le son va plus loin : Mc Laren a toujours recherché une symbiose entre son et image. L’image danse sur la musique de la bande sonore. On peut dire que McLaren a dessiné pour nous aider à entendre et composé de la musique pour nous aider à voir. L’œil voit ce que l’oreille entend et réciproquement. Ainsi, en définitive, l’œil entend, l’oreille voit. Ceci est d’ailleurs le titre d’un film de McLaren dans lequel il réalise, à partir d’un piano, non seulement le son du film mais aussi l’image.

Il travaillait au sein de l’Office national du film du Canada et il fut le compagnon de vie du directeur de la section française de l’ONF, Guy Glover (en). Source Wikipédia

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by : Ivan Argote

durée : 01:00 mn

2009

For the video It rolls, Iván Argote attaches a sewing thread to a bus in front of the Ecole des Beaux Arts in Paris. The camera shot is fixed on the reel held by a screwdriver. When the bus leaves, the thread unrolls and disappears. Despite the obvious humour, this video echoes the thread of life and destiny in the Greek mythology, which here inescapably vanishes.

Voir le site de l’artiste : http://ivanargote.com/

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durée : 10:00 mn

1987

(Cliquez sur l’image pour visionner le film)

Film pédagogique, Couleurs, 35 mm, d’après une nouvelle de Marcel MARIËNS 

Prix RTBF/RTC au Festival Media 10/10, Namur, 1987

Fable sur le malaise du corps enseignant

avec Catherine Aymerie – Ass. Réal : Kamel Dehane – Image : Patrick Payen – Son : Henri Morelle – Montage : Rudi Maerten – Musique : Philippe Marion – Coprod. Iblis Film (Bruxelles) et PI Production (Paris) avec l’aide de la Communauté française de Belgique.

Ce court métrage d’Olivier Smolders, membre du jury au Festival de Clermont-Ferrand 2020, est le premier qu’il a réalisé en couleurs, en 1987, à partir d’une nouvelle de l’écrivain et plasticien surréaliste belge Marcel Mariên.Le réalisateur indique « film pédagogique » comme si cela était le genre du film, « fable sur le malaise du corps enseignant » pour le résumer, sans le dévoiler.

C’est certainement son film le plus accessible, mais aussi celui avec le plus d’humour noir dont les surréalistes étaient friands. Ce film repose sur  une simplicité dans la mise en scène et dans le propos, soutenu par le jeu retenu de la comédienne Catherine Aymerie, entourée d’une classe de grands adolescents un peu vicieux ou sadiques. Cette fable interroge le statut du groupe face à l’individu et le point de fuite du titre annonce la tangente que prend le récit, avec une chute surprenante.

Louis Héliot. Responsable du cinéma, Centre Wallonie-Bruxelles / Paris. (Source texte)

Olivier Smolders est né en 1956, à Léopoldville au Congo. Licencié en philologie romane (UCL), diplômé en réalisation, puis professeur à l’INSAS, il est le fondateur « des Productions du Sablier » (Bruxelles), « des Films du Scarabée » (Liège) et d' »Ab Irato Films » (Paris). Il a réalisé une dizaine de courts métrages et publié de nombreux essais.

voir le site de l’artiste : http://www.smolderscarabee.be/oli_films.php

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durée : 04:25 mn

2001

Cliquez sur l’image pour visionner le film via le blog de l’artiste

La rencontre fortuite, dans un paysage champêtre, d’un arrosoir et d’un camescope…
Un regard impressionniste où la vidéo retrouve la peinture.
Chacun son illumination…

Richard SKRYZAK est vidéaste et écrivain. Il est né en 1960 près de Valenciennes où il vit et travaille. Il enseigne à l’école des Beaux-Arts de Dunkerque. Ses oeuvres vidéo ont été montrées en France et à l’Etranger. Il vient de publier « Mnémosyne » et un livre d’essais « Résonances d’un souvenir florentin ».

Voir le blog de l’artiste : http://richardskryzak.blogspot.fr

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by : André Chocron

Official Selection of Disposable Film Festival

2012

Des façades d’immeuble la nuit. Des lumières s’allument et s’éteignent animant le bâtiment. Peu à peu, ces évènements pourtant ordinaires s’avèrent irréels, ou plutôt totalement reconstruits. Chaque ouverture fermeture des lumières correspond au morceau de musique, l’enchaînement des sons, le clignotement des lumières, agissant dans ce damier aléatoire finissent par composer dans la durée une partition sonore et visuelle.

Voir le site de l’artiste : http://www.andrechocron.no/

Official music video for Cold Mailman – « Time is of the essence ». This is a shortened version of the song. The original song is available on their critically acclaimed second album « Relax; the mountain will come to you » .

Director and animator: André Chocron
Director of photography: Audun Magnæs
Colorist: Camilla Holst Vea at Storyline Studios
Conform: Raymond Gangstad
Cast:
Haugenstua brl
Vestlitoppen brl
Tveita brl
Solfjellet brl
Ammerudlia brl
Supported by Groruddalssatsningen: prosjekt-groruddalen.oslo.kommune.no/
Thank you:
Roy Tjomsland, Hallvar Witzø, Raymond Gangstad, Johannes Dahl, Kari Andresen, Jon Erik Berger, Gunnar Paulsen, Veronica Skaret

« Time is of the essence » was nominated for a Norwegian grammy Spellemann for best music video!

For more info about Cold Mailman, visit http://coldmailman.com/

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