durée : 13:00 mn

2005/2006

Cliquer sur l’image pour voir la vidéo (Ubuweb)

«Balkan Erotic Epic» s’inspire du rôle de la sexualité dans les rites païens du folklore balkanique.
«Pour qu’un homme soit amoureux d’elle, la femme devait prendre un petit poisson, l’insérer dans son vagin et le garder tout une nuit. Le matin suivant, elle retirait le poisson mort, le séchait pour enfin le moudre. En mélangeant un peu de cette poudre au café de son mari, elle était sûre qu’il ne la quitterait jamais».
Philtre d’amour pour les amoureux ou engrais pour les paysans, le sexe est investi de pouvoirs magiques. Révéré de tout temps pour la fécondité dont il est source, il est principe de vie et remède symbolique contre toute forme de malheur. Source texte

Marina Abramović (en serbe en écriture cyrillique : Марина Абрамовић), née le 30 novembre 1946 à Belgrade, est une artiste serbe¹ qui pratique la performance. Faisant partie du courant artistique de l’art corporel, elle s’est lacérée et flagellée, a congelé son corps sur des blocs de glace, pris des produits psycho-actifs et de contrôle qui lui ont causé des pertes de connaissance.

Marina Abramović fait partie du courant artistique de l’Art corporel, elle s’est mise, à diverses reprises, en danger. Durant l’exécution d’une de ses œuvres, elle s’est même trouvée presque morte d’asphyxie sous un rideau de flammes.

Cependant, le but de cette artiste n’est pas le sensationnel. Ses œuvres sont des séries d’identification à des expériences et de redéfinition des limites : du contrôle de son propre corps, du rapport à un interprète, de l’art et par prolongation, des codes qui régissent la société. On peut donc dire que son projet artistique a l’ambitieux et profond dessein de rendre les personnes plus libres.

Selon Abramović, la performance est la présence de l’artiste avec sa propre structure mentale et son propre idée à un certain moment. Elle définit la performance strictement différente du théâtre. Il y a un replay dans le théâtre, et vous pouvez jouer quelqu’un d’autre dans le théâtre. La performance est réelle et elle y voit un art unique et éphémère. Son but est de créer des performances éclairantes pour le spectateur, ce qui signifie des performances qui changent les choses et éclairent les spectateur. L’une des choses les plus importantes qu’elle vise dans son art pour le spectateur d’être là, mentalement et physiquement, au cours de la performance et d’obtenir ce qu’ils peuvent.³
Plusieurs de ses œuvres des trente dernières années ont été brutales et perturbantes. Certaines d’entre elles ont atteint leur accomplissement final seulement quand un membre de l’assistance est intervenu. En cherchant le point auquel l’assistance atteint les limites de sa résistance à la douleur ou plutôt au témoignage de la douleur, l’artiste crée un point de rupture, accentuant radicalement le propre sens du moment du spectateur. Elle dit à ce propos : « Je suis intéressée par l’art qui dérange et qui pousse la représentation du danger. Et puis, l’observation du public doit être dans l’ici et maintenant. Garder l’attention sur le danger; c’est se mettre au centre de l’instant présent.⁴ » Source texte

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durée : 53:42 mn

2012

Ce documentaire va éveiller nos consciences sur le scandale des agriculteurs empoisonnés par les pesticides de leurs propres champs. Peut-on vraiment évoquer un crime ou un complot à ce sujet, la réalité est peut être plus nuancée et difficile à cerner, mais quoi qu’il en soit, ce documentaire révèle les dessous de graves défaillances liées l’utilisation des pesticides. Tout d’abord, il semble que ce soit la course au profit qui est indirectement à l’origine des maladies des agriculteurs mentionnés dans le reportage. En semant des pesticides, «les travailleurs des champs» étaient loin de se douter qu’ils récolteraient des cancers et des troubles neurologiques. «Intitulé la mort est dans le pré», ce reportage est un gros plan sur la souffrance de ces sacrifiés de l’agriculture. Caroline est la première d’entre eux, et lance cet appel qui résonne dans le vide tel un cri angoissant : «les agriculteurs sont en train de mourir». Il faut dire que Caroline a déjà payé un lourd tribut pour son exploitation puisque son mari (Yannick) est décédé de leucémie, une mort attribuée par les médecins à l’utilisation des pesticides.

Source texte : http://openingnews.over-blog.com/la-mort-est-dans-le-pr%C3%A9

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durée : 11:13 mn

1965

C’est l’histoire d’un paysan dans une contrée imaginaire, confronté à une grande sécheresse,  après beaucoup d’ingéniosité, il parvient à faire pousser les salades dans son champ. Surviennent alors les prédateurs… puis les péripéties se succèdent. la fin de l’histoire invite à réfléchir.

 René Laloux est né en 1929 à Paris et mort en 2004 à Angoulême. De 1955 à 1959,  il dirige un atelier de peinture, monte des spectacles de marionnettes dans une clinique psychiatrique où il travaille également avec Félix Guattari. Après deux courts-métrages, il réalise son premier court métrage d’animation avec la collaboration de patients. Ce film intitulé les dents du singe remporta plusieurs prix. En 1964, avec la collaboration de Roland Topor, René Laloux réalise deux autres courts métrages, Les escargots et les temps morts  Dès lors en tandem avec Roland Topor, il réalise La planète sauvage qui obtient le prix spécial du jury au Festival de Cannes en 1973.  C’est un film phare.  Il réalise plus tard Les Maîtres du temps, s’entoure du dessinateur Moebius et l’écrivain de polars, Jean-Patrick Manchette.

En 1988, il s’exile en Corée pour réaliser Gandahar, une allégorie politique, l’histoire d’une cité utopique en harmonie avec la nature.

C’est un immense auteur et poète, qui n’a pas rencontré en France le succès et les encouragements que méritaient ses œuvres. Aujourd’hui, il est considéré comme un des maîtres du cinéma d’animation français. Il se retire à Angoulême où il dirige un laboratoire d’imagerie numérique, où il réalise en 1998 un premier film L’œil du loup. source texte

« Il faut admirer
avec quel doux entêtement
le génie de Topor va
s’emparant de l’âme.
Il pénètre dans notre obscurité
brise le silence
triomphe des ténèbres sourdes
enchante, transporte, illumine. »

durée : 17:18 mn

2012

 » Indépendamment de ce qui arrive, n’arrive pas, c’est l’attente qui est magnifique. » André Breton, L’amour fou (1937).
Dans ce paysage digne du « désert des Tartares » de Buzzati ou du « Rivages des Syrtes » de Gracq, cette phrase de Breton prend tout son sens. Les images proviennent d’une webcam fixée sur le toit d’un bâtiment scientifique dans l’Antarctique. A raison d’une image par semaine, elles couvrent une année.
Cette vidéo est distribuée par Heure Exquise! Centre international pour les arts vidéo
http://www.heure-exquise.org

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filmed by : Rudy Burckhardt

durée : 07:15 mn

1973

Charles Simonds est une figure majeure de la scène artistique internationale des cinquante dernières années. Créateur prolifique, proche des artistes environnementalistes américains et du Land Art comme Robert Smithson, il a construit une œuvre originale à travers la sculpture, la performance, le film et l’architecture. Dès le début des années 1970, il se fait connaître en sculptant des architectures miniatures dans les anfractuosités des immeubles du Lower East Side à New York, mais également à Paris ou Berlin. Façonnées à partir de minuscules briques d’argile, ces constructions éphémères (Dwellings) sont les vestiges d’une civilisation fictive dont l’artiste a imaginé l’histoire et tout un système de croyances. En situant ses performances dans des paysages désertiques (landscape – body – dwellings), en multipliant les motifs archéologiques et les formes labyrinthiques (Maze), l’univers de Simonds ouvre à une multiplicité de références (anthropologiques, littéraires, etc.) et révèle une fascination pour les origines de l’humanité. L’artiste parvient par l’imaginaire et l’onirique à forger aussi une connaissance engagée des problèmes pratiques de la société contemporaine – préoccupations liées à l’environnement (Stanley-Tankel-Memorial), recherches de nouveaux modes d’habitat (Floating cities, Growth House)…

Né en 1945 à New York, où il vit actuellement, Charles Simonds a enseigné au Montclair State College, Skidmore, au State College, Old Westbury et à l’Université du Commonwealth en Virginie. Son œuvre a été exposée dans le monde entier, a fait l’objet de nombreuses publications et figure dans de prestigieuses collections (Whitney Museum, MoMA de New York, Centre Pompidou). Aurélien Vernant
Source texte : http://www.frac-centre.fr/

Voir le site de l’artiste : http://www.charles-simonds.com/

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durée : 26:52 mn (version courte)

2011

HDV original et DVD PAL 16/9

Un homme quitte le rythme de son travail citadin pour se rendre dans la nature. Redevenu disponible aux sensations les plus légères, aux observations les plus subtiles, il s’interroge : « peut-on regarder la nature sans l’interpréter ? » Question rapidement débordée par l’expérience…
Il observe et traverse les paysages en prenant conscience des flux dont il fait partie ou s’écarte : les courants dominants, les pauses inattendues et les déviations se dessinent – parfois littéralement – à l’écran. Il semble réagir dans chaque lieu à ce qu’il perçoit de plus « inframince », zigzaguant comme le M. Hulot de Tati au gré de ses observations poétiques.
Ignorant son téléphone mobile qui le somme de retourner au travail, le personnage/auteur entremêle l’art et la marche en une sorte d’interprétation « musicale » du paysage. Où l’on voit que parcourir la nature, c’est déjà l’interpréter.

À lire également une belle critique du film par Simone Dompeyre : ici

Voir le site de l’artiste : https://www.regardeoutumarches.net/

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by : Pascalbinos

durée : 02:56 mn

2011

Relevés de vent effectués dans le désert des Bardenas Reales, Espagne avril 2011 lors de la résidence NBORDER

Voir le site de l’artiste : http://www.pascal-leroux.org/pagesreal/1suitedesert.html

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